The complexity of a street (…) derives from the interplay between its own immobility as architecture, the relative instability of its 'inhabitants' and the unpredictable comings and goings of its birds of passage.(Clive Scott, street photography)
Gestern war wieder Wiener Fotomarathon. Eine tolle Sache für mich, weil es eine ziemliche Herausforderung ist, zu mehr oder minder simplen Begriffen Fotos zu machen, und noch dazu in der vorgegebenen Reihenfolge. Mit meinem schon öfter erwähnten Fotofreund war das jetzt schon der dritte Marathon und wie immer haben wir zwischen der „Lösung“ der Aufgaben über dieses und jenes philosophiert. Irgendwie konvergierten alle Gespräche letzten Endes bei der Frage nach der Kreativität. Was bremst sie, was beflügelt sie, verschwindet sie plötzlich und die Ecke und kehrt nimmer wieder – oder was?
Dazu hier ein kleines Video. Wie ihr den Kommentaren auf youtube entnehmen könnt, ist dieser Beitrag von Robert Mertens nicht unumstritten. Von langweilig bis super geht das Spektrum und ich warne gleich: Viel Action gibt’s nicht. Ich finde aber, dass dieses Video ein guter Einstieg ist, um für sich selbst über Wege zu mehr Kreativität nachzudenken.
Unbestreitbar – der Herbst wirft seine ersten Schatten voraus und damit auch tolle Lichtverhältnisse für Indoorfotografie. Das folgende Video von Stephan Wiesner gibt keine technischen Tipps. Hier geht es eher darum, das eigene Sehen zu schulen. Schwarz weiß ist mehr als ein RAW-Bild am Computer in den Monochrome-Modus zu befördern ;-). Viel Spaß bei Stephan Wiesner!
Es war die Blütezeit des “American Century”, als ein hellwacher junger Schweizer, dem die Heimat zu miefig geworden war, amerikanischen Boden betrat. Robert Louis Frank wurde am 9. November 1924 in eine wohlhabende jüdische Kaufmannsfamilie in Zürich hineingeboren und lernte als Jugendlicher bei renommierten Grafikern und Fotografen in Zürich, Basel und Genf. Damals war er ein großer Bewunderer von Henri Cartier-Bresson – später wurde er einer der pronociertesten Kritiker des Magnum-Mitbegründers.
1947 wurde ihm das Alpenland zu eng. “Go west, young man”. Tatsächlich konnte er schnell Fuß fassen, und dank des Interesses, das er beim legendären Artdirector Alexey Brodovitch wecken konnte, bekam er in den folgenden Jahren Aufträge von stilbildenden Magazinen wie “Life”, “Vogue”, ”Look” und anderen.
Zwischen 1949 reiste Robert Frank nach England, Wales und Peru. Die Fotos, die er mitbrachte, band er zu kleinen spiralisierten Büchern – Exemplare davon bekam auch der Direktor des Bereichs Fotografie im Museum of Modern Arts (MoMa) in New York, Edward Steichen.
Der Fürsprache Steichens und Brodovitchs ist es zu danken, dass der junge Ausländer 1955 ein Stipendium der Guggenheim-Stiftung erhielt, mit dem er sein Traumprojekt erfüllen konnte: Eine Reise durch die USA, um das Leben der Amerikaner zu dokumentieren.
In einem schwarzen Ford Business Coupé legte Frank 10.000 Meilen zurück und schoss (nach eigener Zählung) 27.000 Fotos in 48 US-Bundesstaaten. 83 davon wählte er für eines der berühmtesten Fotobücher des 20. Jahrhunderts aus: “The Americans”.
1958 erschien “Les Americains” erstmals, und zwar in Frankreich, bei Robert Delpire. Die Ausgabe enthielt unter anderem Texte von Alain Bosquet, Simone de Beauvoir, Erskine Caldwell, John Dos Passos, Henry Miller, William Faulkner, John Steinbeck und anderen. Das entsprach nicht dem Konzept Franks. In der 1959 bei Grove Press erschienenen ersten amerikanischen Ausgabe sprachen die 83 Bilder für sich. Das Vorwort von Jack Kerouac ist insofern bemerkenswert, als Frank den Autor von “On the road” erst nach Abschluss seiner eigenen Reise kennen und schätzen gelernt hatte.
Die Aufnahme war – abgesehen von Fachkreisen – feindselig:
“Popular Photography nannte das Werk ‘bedeutungslose, unscharfe, körnige, schlammig aussehende Aufnahmen, betrunkene Horizonte und allgemein schlampig‘ und sagte weiter, Frank sei #ein freudloser Mann, der das Land, das ihn aufgenommen hat, hasst`“ (ausführlich dazu der Artikel von Charlie LeDuff in Vanity Fair.
LeDuff charakterisiert das Innovative bei Robert Frank folgendermaßen:
“Vor Frank war die visuelle Orientierung von Fotografien eindeutig, horizontal, vertikal.Der Gegenstand des Bildes war immer klar. Man wusste, um was es Iin dem Bild ging und was es sagen wollte. Frank. der undurchsichtige, kleine Mann kam daher und änderte die Winkel,erklärte Körnigkeit zur Tugend und obskure Belichtung zum Gewinn. Seine Bilder waren konfus; man wußte nicht, was man denken, auf wen oder was man sich konzentrieren sollte. Wichtiger war vielleicht, daß Frank die Fotografie intellektuell veränderte – das heißt, was ein Fotograf sehen sollte.”
Tatsächlich waren die Fotos in “The Americans” ein Schlag ins Gesicht der Verfechter des “American Century”. Man sah zornige alte weiße Männer, zornige junge schwarze Männer, heruntergekommene, verarmte Farmer, posierende Patrioten, Transverstiten und andere outcasts der damaligen Zeit. In einem Interview mit dem Times Magazine sagte Frank später:
“Meine Mutter hat mich gefragt: ‘Warum machst Du immer Bilder von Armen?’. Das war zwar nicht richtig, aber ich sympathisierte immer mit Menschen, die kämpften. Und dann gab es natürlich mein Misstrauen gegen diejenigen, die die Regeln machten”.
“The Americans” war ein Wendepunkt für Frank. Er wandte sich mehr und mehr dem Medium Film zu. 1959 drehte er den “Indiefilm”, wie man wohl heute sagen würde, “Pull my daisy”, der Motive von Kerouac aufgriff. Über 30 Filme folgten, der denkwürdigste wohl 1972 der von den Rolling Stones in Auftrag gegebene Dokumentarfilm über deren Tournee zum Album Exile on Main Street. Das Resultat – Cocksucker Blues – zeichnete ein ungeschminktes Bild von der Ödnis und unterschwelligen Aggression der Touries und der Band. Die Stones gestatteten nur stark eingeschränkte Vorführungen des Streifens und diese auch nur in Anwesenheit des Regisseurs.
Aus seiner ersten Ehe hatte Frank zwei Kinder, die Tochter Andrea und den Sohn Pablo. Andrea kam 1974 bei einem Flugzeugabsturz ums Leben, Pablo beging 1994 Selbstmord.
Bis zu seinem Tod in Inverness lebte Robert Frank abwechselnd in Nova Scotia (Kanada) und New York. Sein Werk wird auch nach seinem Tod ein Meilenstein in der Geschichte der Fotografie bleiben.
Wie die „New York Times“ meldet ist Robert Frank am Montag im Alter von 94 Jahren in Kanada verstorben.
Der Name des schweizerisch-amerikanischen Fotografen ist untrennbar mit seinem Buch „The Americans“ verknüpft, das erstmals 1958 in Frankreich erschien. Darin wird aus der Perspektive eines Nicht-Amerikaners ein kritischer Blick auf den Alltag in den USA geworfen. Ikonisch wurde das Foto eines nach Hautfarbe getrennten Autobusses und seiner Benutzer.
In den nächsten Tagen wird es auf complexityinaframe eine ausführliche Würdigung Robert Franks geben. Hier eines der seltenen Interviews, in denen er erzählt, wie es zu den Aufnahmen in „The Americans“ kam.
Von 11.09.2019 bis 16.02.2020 kann man in Wien im Kunsthaus eine wahrhaft internationale Ausstellung zur Geschichte der Streetphotography besuchen: STREET.LIFE.PHOTOGRAPHY – Street Photography aus sieben Jahrzehnten.
International ist
nicht nur die Auswahl der vertretenen Fotografinnen und Fotografen –
von Klassikern wie Robert Frank (CH/USA), Diane Arbus (USA), Martin
Parr (GB) zu jungen Künstlerinnen und Künstlern wie Loredana Nemes
(ROM/D), Mohamed Bourouissa (ALG/F) oder Lies Maculan AUT).
Die Ausstellung ist auch das Ergebnis einer grenzübergreifenden Zusammenarbeit zwischen dem Haus der Photographie/Deichtorhallen Hamburg und dem Kunsthaus Wien. Nächste Station wird dann Winterthur sein. Kuratiert wird die Schau von Sabine Schnakenberg (Hamburg) und Verena Kaspar-Eisert (Wien).
Die langjährige
Zusammenarbeit von Frau Schnakenberg mit F.C. Gundlach (sie ist seit
2001 für die Betreuung der Sammlung des einstigen Modefotografen
tätig) hat es wohl erst möglich gemacht, einen qualitativ derartig
einzigartigen Querschnitt durch das Genre Streetphotography zu
präsentieren. Mehr als 200 Werke zeigen die Vielfalt dieses Bereichs
der Fotografie.
Die „Mutter aller Streetphotography“-Ausstellungen, die in Hamburg im Rahmen der Triennale von Juni bis Oktober 2018 gezeigt wurde, konnte schon aus räumlichen Gründen nicht eins zu eins nach Wien transponiert werden. Gab es in Hamburg sieben Themengruppen (Street Life, Crashes, Public Transfer, Urban Space, Lines and Signs, Anonymity und Alienation) fehlen in Wien Urban Space und Lines and Signs als eigene Blöcke. Sabine Schnakenberg trug damit den räumlichen Möglichkeiten im Kunsthaus Wien Rechnung, zumal sie ein sehr klares Ausstellungskonzept verfolgt: Der Ausstellungsraum ist eine Herausforderung, der sich die Kuratorin anpassen muss; sie will keine chronologische, quasi enzyklopädische, sondern eine thematische Schau zeigen, die nicht „hoch ästhetisch“ ist, sondern den konzentrierten Blick auf die ausgestellten Bilder freigibt. Und sie mied bewusst, wie sie sagt, Henri Cartier-Bresson, weil der „ohnehin schon von oben nach unten und von unten nach ober herunter dekliniert wurde“.
Machen wir gemeinsam
einen kleinen Rundgang durch STREET.LIFE.PHOTOGRAPHY.
„Street Life“ zeigt uns das ungeschminkte Leben (auf) der Straße, die Passantinnen und Passanten, die Straße als Lebensraum. Wir sehen hier anhand zahlreicher Beispiele, von Lisette Model und ihrer Schülerin Diane Arbus beginnend, wie unterschiedlich Fotografinnen und Fotografen an die „Objekte ihrer Begierde“ herangehen. Der distanzierte Blick Models kontrastiert mit, sagen wir, Bruce Gildens, der seine „Opfer“ in den Straßen New Yorks geradezu anspringt.
Aus der Ausstellung „[SPACE] STREET. LIFE. PHOTOGRAPHY“ Deichtorhallen Hamburg/Haus der Photographie 8. Juni – 21. Oktober 2018
„Crashes“ zeigt
Brüche im gewohnten Alltagsbild – Unfälle, echte oder als
Filmsetting konstruierte; enttäuschte Erwartungen; Zerstörungen
aller Art.
Menschenmenge vor dem Opernhaus, die die Ankunft der Gäste beobachtet. Polizeikordon für Personenschutz im Einsatz.
„Public Transfer“
zeigt die Parallelwelt des öffentlichen Nahverkehrs – spannend
hier die Perspektive von Loredana Nemes, die sich meist Nachts die
Städte erobert und zeitlose Porträts von Bus- und
U-Bahn-Benützerinnen (und Benützen) macht. Beunruhigend in dieser
Abteilung die Bilder Michael Wolfs aus der U-Bahn von Tokyo, auf
denen die in die Züge gequetschten Menschen wie Leichen in der
Prosektur wirken.
„Anonymity“ thematisiert die oft beschworene Vereinsamung des Menschen im urbanen Raum. Diese verlockt auch Fotografinnen und Fotografen, aus der Distanz, anonym Menschen zu beobachten und Augenblicke fremden Lebens festzuhalten. Die Grenzen zum Voyeurismus sind hier mehr als fließend.
„Alienation“
zeigt Ent- und Verfremdung: in den Fotos von Philip-Lorca diCorcia
von Sexarbeiterinnen und Sexarbeitern in Las Vegas, in denen die
Entfremdung der verkauften Arbeitskraft am offensichtlichsten zutage
tritt. Bei Lee Friedlander, dessen Schatten in seinen Fotos
auftaucht, ihn zum Teil des Bildes macht. Und in extremer Form bei
Doug Rickard, der das Haus gar nicht verlässt, sondern Straßenbilder
(auch aus google streetview) vom Computermonitor abfotografiert und
dann Menschen hineinmontiert.
Für mich wirft die
Ausstellung aber auch einige Fragen auf. Zunächst – kann und soll
Streetphotography zur „Ausstellungskunst“ werden? Ohne Zweifel
gibt es extrem ästhetische und künstlerische Straßenfotografien.
Aber andererseits gibt es gerade im digitalen Zeitalter enorm viele,
teilweise ebenso hervorragende, Aufnahmen, die nie das gedruckte
Licht der Welt erblicken, weil sie auf sozialen Medien oder in
Online-Portfolios gepostet werden. Klar – eine Kuratorin muss auf
das vorhandene Material zurückgreifen, das „vorzeigbar“ ist.
Trotzdem tut sich hier meiner Meinung nach eine Lücke auf, der man
sich bewusst sein sollte.
Die klassische Diskussion „Was ist eigentlich Streetphotography?“ will ich hier nicht neu aufrollen. Meinem Verständnis nach gibt es aber eine Grenze der Inszenierung, die Street von anderen fotografischen Formen trennt. Dazu gehören etwa die erwähnten Arbeiten von Doug Rickards, die für mich mehr ins Composing ressortieren, oder die Fotos des Dänen Peter Funch, der erstaunliche Verfremdungen vornimmt, indem er in das Foto einer bestimmten Straßenecke im Rahmen eines Langzeitprojekts Menschen bei ähnlichen Handlungen geballt zusammenmontiert.
Dass mir als Verfechter der Sozialfotografie zumindest ein Bild von David Goldblatt oder einem anderen Fotografen, der den Straßenalltag des Apartheid-Regimes abgebildet hat, ebenso fehlt wie Bilder vom Mai 68, den „troubles“ in Nordirland, dem englischen Bergarbeiterstreik 1983 oder dem arabischen Frühling 2010 ist natürlich subjektiv. Bloß – hat „die Straße“ da nicht eine ganz besondere Rolle gespielt?
Aber diese
Überlegungen ändern nichts daran, dass die Ausstellung
STREET.LIFE.PHOTOGRAPHY ein wirklicher Gewinn für alle ist, die sich
mit dem Genre beschäftigen. Zum Glück sollte es die lange Laufzeit
allen Interessierten möglich machen, ins Kunsthaus Wien zu kommen
und sich einen eigenen Einblick zu verschaffen.
Kurt Lhotzky
Spezieller Dank an das Kunsthaus Wien für die Verwendungsgenehmigung der Fotos im Text!
Fotogalerie von der Pressekonferenz: Fotos Kurt Lhotzky, Creative Commons Lizenz 2
Der diesjährige Gewinner des World Press Photo Awards ( die preisgekrönten Arbeiten aller Kategorien sind zur Zeit in der Wiener Galerie WESTLICHT zu sehen), John Moore, erzählt, wie sein berühmtes Foto entstand, und wie wichtig korrekte Bildunterschriften sind.
Im Film „Everybody Street“ hat die amerikanische Fotografin Cheryl Dunn Pioniere und Meister der New Yorker Straßenfotografie aus sechs Jahrzehnten, darunter Bruce Davidson, Mary Ellen, Jill Freedman, Jeff Mermelstein und Martha Cooper porträtiert. Sie zeigt, dass diese Künstler ebenso bunt und einzigartig sind wie ihr Thema: die Stadt New York.
Der Film wurde übrigens durch crowdfunding finanziert! Viel Vergnügen und viele neue Impulse wünsche ich!
